Юн фоссе сон об осени скачать бесплатно

режиссёр Алексей Слюсарчук, художник Елена Соколова
(г. Петербург)

Мне снилась осень…

А как может присниться осень? Очевидно, по-разному: всё зависит от того, кто этот сон смотрит и
кто его ниспосылает. Природа сна причудлива и во многом напоминает природу театра: соотношения с
реальностью запутаны, парадоксальны, однако, погружённые в этот призрачный мир, мы и чувствуем, и
воспринимаем его всерьёз. «Сон об осени» — новую премьеру Новокузнецкого драматического театра по пьесе
современного норвежского драматурга и поэта Юна Фоссе — ниспослал нам питерский дуэт постановщиков:
режиссёр Алексей Слюсарчук и художник Елена Соколова, причем новокузнечане оказались первыми зрителями
этого «Сна»: нигде в России эту пьесу пока не ставили.

В зыбкую атмосферу сновидения мы погружаемся с первых же секунд. Спектакль, жанрово определённый как
лирическая драма, выстроен и сценографически оформлен «по образу и подобию» сновидения. Камерное
пространство декорационного зала обращено в некое марево серебристо- жемчужных и свинцово-серых тонов,
на фоне фронтальной стены мерцают и колеблются словно в плавном замедленном танце обобщённо-матиссовские
силуэты людей. Интерьер сценической площадки представляет собою подобие парка с опавшей листвой, с
посыпанными гравием дорожками и светлыми деревьями, голые ветви которых трогательно унизаны белыми
тряпочками загаданных желаний. (Потом одна из героинь в надежде на счастье повяжет на дерево такую же
тряпочку.) В резкий контраст с элегической красотой декораций вступают грубо материальные, металлические
ящики-сейфы, в которые наполовину внедрены стволы деревьев. Они очень настораживают, эти ящики,
ассоциативно напоминая нам о том, что «нет в мире совершенства»- во-первых, и о том, что действие происходит
всё-таки на кладбище, — во- вторых. Но и нарочитая предметность этих ящиков не выбивается из
стилистического единства сценографии, решённой как образ сновидения: ведь и в снах нам являются вещи
ни с чем не сообразные, своей абсурдностью лишь утверждающие рваную целостность картины.

А что спектакль «Сон об осени» целостен не только по художественному оформлению, но и по безупречно выстроенной
композиции, внятно читаемой (хотя и неоднозначной) основной идее, становится ясно после спектакля. Тематика
самой пьесы – трагическая многогранность проявлений любви: любви мужчины и женщины, любви материнской,
отцовской, сыновней и даже любви Божьей. Полифония этих тем звучит в пьесе поэтичной, но непримиримой
разноголосицей. Алексей Слюсарчук в своём спектакле сделал акцент на любви Божьей, солирующим
мотивом – мотив судьбы и борьбу двух начал: веры в предопределённость Божьего промысла – с одной
стороны и приоритетной роли случайности – с другой. Недаром звуковой доминантой спектакля становятся
джазовые импровизации «живого» саксофона (Игорь Маркин) и «живого» вокала (Алёна Душина). Экспозиция и
одна из кульминационных вершин спектакля – диалог, переходящий в спор, о том, случайно ли всё на белом
свете или предопределено, и от обезьяны ли произошёл человек или от Бога. Обе сцены очень важны в
режиссёрской партитуре, и обе взяты не из пьесы Фоссе, а из драматургических текстов петербургского
автора Клима. В первой сцене разговор идёт между старшим мужчиной (он же – Отец, арт. Анатолий Смирнов)
и младшим (он же –Мужчина, сын, арт. Сергей Стасюк) и носит подчёркнуто светский характер. Вторая
масштабнее, эмоциональнее, очень интересна по способу театральной подачи и блестяще исполнена Евгением
Любицким в роли Первого могильщика и Степаном Мамойкиным в роли Второго. Речь идёт, по сути, о «символе
веры» каждого: в Библию ли верить, или в учение Дарвина. За внешней уморительностью спора отчётливо
угадывается глубокая мысль о том, что истинная вера вне логики и рассудка, она по-детски простодушна и
никакому анализу не подлежит. Режиссёр, впрочем, эту линию не педалирует и проводит через весь спектакль
очень тонко.

Особенно красив, значителен и ненавязчив финал: обе молодые героини – Женщина (арт. Алёна Сигорская) и
Грю (арт. Елена Амосова) – выходят в классически прекрасных платьях – чёрном и белом – с противоположных
сторон сценической площадки, сходятся в центре, где сидит кукла Амалия, и начинают, как Парки, богини судьбы,
разматывать пряжу – нити жизни человеческой. По изысканности, цветовой, пластической и смысловой чёткости
этот финальный аккорд, на мой взгляд, самый сильный в спектакле. Заряд энергии и красоты попадает в сердце,
и ты понимаешь, что всё ещё находишься внутри спектакля.

Сочетание эмоционального и рационального составляет отличительную особенность спектакля, что проявляется
не только в поисках веры и первопричины бытия, но и в особой мелодии уходящего времени, пронизывающей всё
сценическое пространство и все события. И создаёт эту щемящую мелодию вовсе не аккомпанемент саксофона,
которого, при всей его красоте, в спектакле явно многовато. Да и бесконечно повторяющиеся в речах персонажей
печальные сетования по поводу быстротечности жизни очень скоро притупили бы восприятие публики, если бы в
самой ткани спектакля не была разлита некая плазма времени. Песок вечности струится сверху, засыпая не
столько могилу бабушки, сколько уходящие мгновения бытия. Спектакль замедленный, медитативный, специально
интонированный, с преобладанием интонаций автора пьесы. На сцене нет ни суеты, ни нарочитости, внешний
сюжет тоже отсутствует, он развивается глубоко подспудно и понятен далеко не сразу, однако зрительское
внимание прочно приковано к происходящему. Это большая заслуга и актёров тоже.

От актёрского состава взгляда оторвать невозможно: каждый персонаж переживает внутреннюю драму. Похороны
бабушки собирают всех на кладбище – таков повод и исходное событие. Образы персонажей обобщены и, невзирая
на вполне конкретную их индивидуальность, почти все имён не имеют: Мужчина, Женщина, Мать, Отец… Роль
Матери (арт. Людмила Адаменко) в спектакле оказалась основной – может быть, потому, что именно она
рассказывает тревожный сон, который ей приснился, может, из-за жертвенной участи всех матерей, а вернее
всего – просто в силу одарённости актрисы. Её героиня ведёт диалог с сыном и его новой женой настолько
трепетно, органично, с такой мучительно противоречивой гаммой чувств, таким смирением и самоуничижением
матери во имя любви к сыну, что сразу вносит в спектакль ноту чистейшего трагизма. Мать перечёркивает в
себе всякое достоинство, чтобы вернуть любовь сына, но его враждебная отчуждённость лишь растёт. Ту же
трагедию покинутости переживает и Отец – по-мужски сдержанно и безмолвно. Чего стоит один только застывший
взгляд и неподвижная рука Анатолия Смирнова в сцене с сигаретой! Герой Сергея Стасюка при всех его
рефлексиях, скрытых путях от любви к нелюбви воспринимается не как злодей или эгоист, но как игрушка
судьбы, нитка пряжи в её руке. Женщина в исполнении Алёны Сигорской – это сама нежность, влечение, жажда
любви и самоотдачи. Однако и она обречена на одиночество и покинутость, как её предшественница Грю,
потерявшая не только возлюбленного, но и сына. Елена Амосова воплощает на сцене собирательный образ,
некий символ оставленной женщины с бесконечным лунатическим проборматыванием её монологов.

Вот такой сон об ускользающей любви и осени, судьбе и вечности приснился нам зимним вечером в театре.
А разгадать его тайну каждый может только наедине с собой.

Галина Ганеева

Юн Фоссе (родился в 1959 году) известен в Норвегии прежде всего как прозаик и драматург,
причем драматург очень успешный его пьесы ставят не только в Скандинавии, но и по всей Европе.
Однако у Фоссе существует и «поэтическая ипостась»: он издал несколько поэтических
сборников. По ним можно заметить, что у поэта есть излюбленные поэтические формы — так, он явно
тяготеет к десятистишью. Поэзия Фоссе — эта поэзия взгляда, когда поэт стремится дать читателю
зрительный образ, предельно его «объективизировав» и «убрав» из текста рефлексию и личный комментарий.
Стихи эти похожи в чем-то на гравюры, где нет полутонов — только черный и белый цвет, но при этом
присутствует сильнейший эмоциональный заряд.